Né au cœur d’un cercle de treize mètres de diamètre, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le cirque est l’héritier de formes antérieures apparues dès l’Antiquité. Spectacle équestre et urbain, il fait sa révolution au début des années 1970, celle de la forme et du sens, des genres et des usages, et conquiert de nouveaux publics.
 

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Les origines antiques
 

Le cirque est un art populaire, pluriel et ancestral. Les origines remontent en effet à l'antiquité.

Tout commence 5000 ans avant J.C., en Chine, berceau de l'acrobatie, où femmes, enfants et paysans manient objets usuels et guerriers. Puis viennent les acrobates d'Asie mineure, les contorsionnistes hindous, les équilibristes Japonais sur bambous, et, vers 2000 avant J.C., les jongleurs à trois balles de Basse-Egypte.

En Grèce, acrobates, montreurs d'animaux et personnages grotesques analogues aux augustes de cirque se produisent sur l'agora.

ï Cirque romain
A Rome, civilisation du spectacle, tout est visible, théâtralisé. Les "ludi", jeux donnés lors des grandes occasions, se déroulent dans les amphithéâtres et font précéder les combats de gladiateurs et courses de chars de démonstrations athlétiques, jongleurs, écuyers, équilibristes, dompteurs d'animaux et faiseurs de tours. Les "ludi" ne survivent pas à la chute de l'empire Romain et à l'expansion du christianisme. Le mot "cirque" disparaît alors du vocabulaire jusqu'au 18ème siècle. Dans l'Europe médiévale, jongleurs, montreurs d'animaux et acrobates sont condamnés à l'itinérance. Ils participent à des fêtes populaires et profanes, aux foires marchandes où ils prennent le nom de "banquistes" ou "saltimbanques". Leur habileté est même parfois suspectée de sorcellerie, et conduit certains au bûcher…
 

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La naissance du cirque moderne
XVIII^ème siècle
 

La seconde moitié du 18ème siècle voit des compagnies de danseurs et de funambules se multiplier, s'exprimant au travers d'un nouveau genre dramatique, le théâtre de foire.

Par le jeu des alliances et la nécessité commerciale, de véritables entreprises de spectacles naissent. Un sergent-major Anglais nommé Philip ASTLEY choisit alors la piste circulaire de représen-tation pour ses voltiges à cheval.
ïL'amphithéâtre d'Astley

Il ajoute au programme des danseurs, des acro-bates et des personnages grotesques afin de séduire son public. Le cercle et la variété des numéros, sans rapport apparent entre eux sinon celui de cultiver la prouesse et les situa-tions comiques, devien-nent les codes originels de représentation du cirque moderne.      ñL'amphithéâtre d'Astley

Au début du 19ème siècle, des écoles et bâtiments sont édifiés (Cirque olympique d'Antonio Franconi, par exemple, en France), et Paris devient la capitale mondiale du cirque. A cette époque, plus de cinq cents troupes parcourent l'hexagone. Ces troupes sont souvent de type familial et travaillent sous chapiteaux ou dans les cirques stables disséminés sur le territoire (il n'en reste que sept aujourd'hui).

Chapiteau Bouglione ð

Au début du 20ème siècle, un déclin s'amorce. Les circas-siens investissent les scènes de music-halls et des cabarets, mais rien n'y fait. Le cirque, engourdi par la tradition, par la convention, s'enlise dans la crise identitaire amorcée. Plus tard, la télévision, qui banalise l'exploit, l'urbanisation du cœur des villes et la guerre des enseignes, précipitent encore un peu plus le désintérêt grandissant.

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Le renouveau salutaire
Le nouveau cirque
 

Dans le bouillonnement culturel des années 1970, des artistes, voulant rompre avec les valeurs esthétiques établies, partent à la conquête d'espaces neufs et de nouveaux publics. Venus de la rue, de la danse ou du théâtre, ils réemploient les usages du cirque forain, et les théâtralisent souvent hors du cercle.

Le cirque contemporain se démarque du cirque classique, devenu au fil du temps un genre canonique regroupant un ensemble de codes esthétiques stricts. Le spectacle de cirque classique possède une logique très standardisée de collage de numéros variés, sans rapport les uns avec les autres, avec la présence obligatoire d'éléments fondamentaux (entrée clownesque, un numéro équestre, le dressage de fauves…). La scène est la piste qui se trouve au centre du chapiteau, et les animaux sont très présents. Les artistes sont spécialistes d'une technique, ou d'un engin.

L'émotion naît de l'exploit, de la prouesse ou du danger. Les couleurs, les odeurs, la musique, les applaudissements sont également très standardisés. Le "nouveau cirque", ou cirque contemporain, a systématiquement battu en brèche tous ces codes.

ñ Le Cirque du Soleil - Alegria

La scène n'est pas forcément la piste ronde, et l'on peut même inventer des dispositifs scéniques originaux. Il y a peu ou pas d'animaux. Le spectacle fait appel à un scénario, où l'on met en scène une histoire. La polyvalence des artistes est mise au service de ce scénario. L'émotion est souvent visuelle, subtile, naissant du jeu, de la chorégraphie. Le spectacle développe une unité et relie théâtre, cirque et danse (fusion des arts). Il n'y a plus de fondamentaux, et il est même possible de construire un spectacle autour d'une seule technique, ou de deux.

ï Cérémonie d'ouverture des JO d'Alberville en 1992 - Philippe Decouflé
Chaque compagnie tente de construire un univers singulier en mettant en cohérence des options plastiques, sonores, acrobatiques, chorégraphiques et théâtrales. Les techniques de cirque sont souvent utilisées comme "éléments de langage", propres à signifier autre chose qu'elles-mêmes.

L'artiste ne présente pas un numéro, il représente.